martes, 3 de septiembre de 2013

Renacimiento pintura


Características generales del Renacimiento: la nueva concepción del arte
1.4.1. El Humanismo
- El Humanismo cambia la concepción medieval del hombre, el hombre vuelve a ser el centro de todas las cosas, apareciendo un nuevo hombre que introducirá cambios en todas sus manifestaciones, sobre todo en la cultura y el arte, ya que el nuevo hombre necesita un nuevo lenguaje a su medida.
1.4.2. El Racionalismo
- No se trata sólo de la aparición de un nuevo lenguaje formal, aparecen nuevas exigencias vitales e intelectuales que afectan a la idea misma del arte, produciéndose cambios radicales por la nueva situación del artista y de la obra de arte, por el valor teórico de los modelos y por el planteamiento científico y racional del arte.
- La realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a cabo sus obras.
1.4.3. La desaparición del anonimato artístico: El artista
- Como consecuencia del protagonismo del hombre en esta época, desaparecerá el anonimato artístico, se comienza a valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia del Arte en los artistas en lugar de en las obras de arte.
- También habrá una mayor valoración de la propia actividad artística, dejará de ser un oficio para convertirse en una ciencia y en un arte.
1.4.4. La figura del mecenas
- Son los protectores de los artistas, quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en ocasiones los mantienen.
- Son miembros de familias acaudaladas sensibilizados con el arte (los MédiciUficciRucellaiPitti o Strozzi, en Italia o los Mendoza en España) solían ser coleccionistas de obras de arte, proporcionando así gran número de encargos.
1.4.5. Los tratadistas, críticos y biógrafos
- Aparecen los teóricos del arte, que recogen en su obra escrita las experiencias artísticas pasadas y presentes.
- Extensa obra escrita durante los siglos XV y XVI, a la que hay que unir la reedición de antiguos tratados, como el deVitrubio.
1.4.6. El estudio de los prototipos clásicos y de la naturaleza
- Además de estudios teóricos los artistas del Renacimiento estudian directamente los prototipos clásicos. Se fomentó la arqueología, lo que facilitó al artista el conocimiento directo de las obras de la antigüedad, difundidas por toda Europa gracias al desarrollo del grabado.
- El Renacimiento supuso también el descubrimiento de la naturaleza, que se hace patente en los fondos de la pintura o el esfuerzo por representar la anatomía.
- Pero se trata de un naturalismo idealizado, se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa, no apareciendo imperfecciones ni deformidades.
1.4.7. Las ideas antropométricas: orden, proporción y armonía
- Junto con la idealización debemos mencionar aquí también la obsesión renacentista por el orden, la proporción y la armonía, que transmitan serenidad, mesura, equilibrio, etc.
- La figura humana será el centro de interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus proporciones, sus medidas.
- El arte, la arquitectura, la escultura y la pintura, logra encontrar la medida del hombre, establece proporciones sencillas, ceñidas a una geometría simple y comprensible.
1.4.8. La visión unitaria
- Belleza no sólo en las proporciones, también en el sentido unitario de la obra, un la visión unitaria que ofrece: la obra de arte debe presentarse al espectador simultáneamente y en su conjunto, debe ofrecerse unida.
- En arquitectura el espacio interno se ofrece de una sola vez.
- En escultura o pintura el cuadro presenta una composición unida, predominando la perspectiva central.

LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
- En las ciudades italianas la pintura experimenta un extraordinario impulso y una mutación constante.
- El número de artistas es tal que nos limitaremos a ver una visión general de su evolución y las figuras principales
2.1. Evolución de la Pintura en el Quattrocento
- El precedente fundamental hay que buscarlo en la figura del Giotto, el gran maestro del siglo XIV.
- Sigue siendo el fundamental el tema religioso, pero ahora tratado en ocasiones como si fuera profano, tema que también se cultiva, junto con el mitológico, y como reflejo del individualismo de la época se generaliza el retrato.
- Las composiciones son complicadas, pero es muy importante el sentido unitario del conjunto.
- La luz se maneja cada vez con mayor perfección, sobre todo para captar los volúmenes, pero falta de cohesión entre el color y la forma, típico de la pintura italiana del momento, color no como resultado de la luz, sino superficie coloreada acotada por la línea. El dibujo es el elemento capital, por lo que los contornos son nítidos.
- El pintor del siglo XV está obsesionado sobre todo por la captación de la profundidad, por la perspectiva, utilizando para conseguirla los paisajes y las arquitecturas.
- También se camina hacia la consecución del movimiento.
- Se busca la belleza idealizada, evidente sobre todo en los desnudos.
- Estudio del hombre en todos los aspectos, sobre todo en la representación de sus sentimientos.
A) Fra Angelico
- Pintor de la tradición del gótico internacional, representa una continuidad del espíritu religioso medieval que se reviste de las formas nuevas, con un uso sobrio de la perspectiva, de los elementos decorativos y arquitectónicos del repertorio clásico, de la luz, de la anatomía y de una nueva su concepción del volumen.
La Anunciación (del Museo del Prado y otras)
- En este tema puede desplegar su dulzura y temperamento tranquilo.
- Equilibrio en los paisajes, líneas y colores (dibujo y colorido suaves) y claros ejemplos de arquitecturas pictóricas.
B) Tomasso Massaccio
Masaccio es el creador de una sensibilidad poderosa y monumental, totalmente desligada de todo recuerdo de la sensibilidad del gótico y entroncado directamente con la grandiosidad escultórica de GiottoMasaccio representa la afirmación del nuevo estilo, como Brunelleschi o Donatello lo representan en la arquitectura y en la escultura.
          
El Tributo al César de la Capilla Brancacci de Florencia
- Su obra más representativa son los Frescos de la Capilla Branacci en la Iglesia del Carmen de Florencia, en los que la sensación de espacio y atmósfera se halla absolutamente conseguida, junto a la expresión de las pasiones del alma, como se observa en la tensión expectativa de los apóstoles en torno a Cristo.
- Busca la unidad de composición, centralizada, aunando distintas escenas que se suceden en el tiempo, subordinándolas al grupo central, mediante un punto de vista perspectivo monofocal. También preocupado por el volumen en las figuras, de tremendas actitudes y grandes proporciones, anticipando la “terribilitá miguelangelesca”.
El fresco de la Santísima Trinidad de Sta. María Novella de Florencia
- Fondo de arquitectura plenamente renacentista. Monumentalidad en las figuras, volumen, perspectiva lineal.
C) Paolo Uccello
- La dirección fundamentalmente investigadora, que funde arte y ciencia, la geometría y la perspectiva, produce en Florencia su máximo representante con Paolo Ucello.
     
La Batalla de San Romano
- Preocupación por la perspectiva, como la manifestación de la belleza, sobre todo a partir de los paisajes.
- También estudio del volumen, de los escorzos y del dinamismo de las figuras.
D) Filippo Lippi
Fra Filippo Lippi introduce en su pintura religiosa un elemento de vivacidad y alegría humana, de gracia sonriente y afición a lo anecdótico, que anticipa actitudes de la segunda mitad del siglo.
+ Virgen con el Niño de la Galería de los Uffizi
- Idealismo, limpieza del dibujo, volumen, profundidad del paisaje y búsqueda de los sentimientos humanos.
 E) Andrea del Castagno
- Obsesionado por la fuerza y la expresión, que crea figuras de una monumentalidad dura y escultórica, en contacto evidente con el estilo de Donatello.
          
+ Varones y mujeres ilustres de Villa Carducci
- Multitud de personajes bíblicos, enmarcados por mármoles, de los que se salen gracias a la perspectiva, por ejemplo manos fuera del marco, etc.
F) Piero della Francesca
- Maestro revolucionario que anticipa los valores del siglo siguiente, es sin duda la cumbre del Quattrocento, consiguiendo armonizar lo científico y la claridad intelectual con la belleza de las formas y del uso de la luz como elemento expresivo y simbólico.
               
+ Frescos sobre la Leyenda de la Santa Cruz de S. Francisco de Arezzo
- Temática religiosa cargada de dramatismo.
- Combina las proporciones y la perspectiva, una de sus mayores preocupaciones de Piero della Francesca, junto con el de las posibilidades de la luz, con el colorido veneciano.
+ El sueño de Constantino (detalle)
- Sobre todo capacidad para el manejo de la luz, por la parte posterior de las formas y con delicados matices, sutiles efectos en los rostros y vestimentas.
La Virgen con el Niño, Santos y Federico de Montefeltro
- Escena en un escenario arquitectónico claramente albertiniano.
- Apreciamos aquí también su preocupación por la luz y la perspectiva.
+ Retrato de Federico de Montefeltro
- Retrato de perfil típico del Quattrocento (incluso en temas religiosos puede aparecer el donante arrodillado y de perfil, como se puede apreciar en la obra anterior). Sí es original el paisaje como fondo, que da perspectiva.
G) Andrea Mantegna
- Sus características fundamentales son el interés por los restos arqueológicos, el tratamiento de las figuras como si fueran estatuas, acentuado por el color que les da un aspecto pétreo (telas duras y figuras escultóricas), influencia de Donatello y Andrea del Castagno, los escorzos y la gran profundidad de sus composiciones.
              
+ Cristo yaciente
- Tema principal el escorzo de Cristo, escultura más que pintura.
- Punto de vista muy bajo, lo que le da su carácter monumental.
+ Muerte de la Virgen
- Estudio de profundidad de la composición.
+ Retablo de San Zenón de Verona
- Mayor sensación de espacio real al tratar las arquitecturas fingidas como prolongación de la arquitectura real.
+ San Sebastián
- Sintetiza la imagen del héroe antiguo con la del mártir cristiano.
- Paisaje de ruinas arqueológicas y edificios medievales.
Óculo de la Cámara de los Esposos del Palacio Ducal de Mantua
- Mediante un fresco finge romper la arquitectura para permitir ver el cielo, precedente de las escenografías del Barroco. Las figuras se asoman en fuerte escorzo.
H) Sandro Botticelli
- Alejandro Botticceli es la personalidad más famosa de la segunda mitad del siglo XV. Dibujante exquisito, refinado y nervioso, es el creador de unas maravillosas composiciones mitológicas de líneas ondulantes y contornos precisos.
          
+ El Nacimiento de Venus
- Es característico su dibujo de trazos nerviosos, el movimiento que agita a sus figuras, las formas ondulantes, la tristeza y melancolía de sus rostros, los paisajes primaverales, la profundidad, la glorificación del cuerpo humano desnudo.
- No le interesa el espacio ni la perspectiva, el fondo es sólo un pretexto decorativo.
- La apariencia misteriosa e indeterminada de Venus por influencia del neoplatonismo.
+ Alegoría de la Primavera
- El neoplatonismo de Botticelli también lo vemos en su gusto por la alegoría.
- Sin perspectiva renacentista, carece de profundidad, lo que acentúa la sensación de irrealidad.
La Calumnia
- Fábula pagana pintada por el griego Apeles y que él reconstruye a partir de descripciones que había de ella.
Tablas de la historia de Nastagio degli Honesti
- Ilustra una historia del Decamerón.
I) El Perugino
- Su estilo seguro, con figuras insertadas con perfección en el paisaje, de perspectivas muy marcadas debido a su interés por la profundidad de sus composiciones, supone un preludio de lo que se realizará en el Cinquecento. Su fama llegó a tal extremo que fue llamado a Roma en 1.482  para decorar algunas de las paredes de la Capilla Sixtina.
+ Entrega de las llaves a San Pedro de la Capilla Sixtina
- La que la perspectiva alcanza el grado máximo, las figuras se enmarcan en una gran plaza de perspectiva interminable presidida por un edificio de planta centralizada con una cúpula típicamente renacentista y, a cada lado, un arco de triunfo como referencia a la antigüedad. La plaza está embaldosada creándose diversas líneas de fuga, que subrayan la idea de perspectiva lineal, y poblada de personajes de inferior tamaño, de aspecto elegante, para provocar un mayor efecto de profundidad.
- Su concepción espacial anticipa las composiciones de Rafael.
J) Luca Signorelli
- Caracterizado por una forma de representación del cuerpo enérgica, con fuerza expresiva y precisión anatómica y por el dominio de la perspectiva del escorzo, creando un estilo de grandiosidad épica que más tarde dejaría un sello definitivo en la mentalidad de Miguel Angel.
+ Murales de la Catedral de Orvieto
- Temas impresionantes sobre el fin de los tiempos. Estudios de anatomía, figuras épicas y trágicas, movimientos airados y terribles, composición compleja y abigarrada, características que nos acercan a Miguel Ángel.

 Evolución de la Pintura en el Cinquecento
- Florencia continúa siendo la capital del arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor mecenas, o viajan por diversas ciudades.
- Mejor manejo del color, perdiendo su imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen dándoles mayor importancia que otras escuelas.
- La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior. Las formas son ya redondeadas, no con apariencia tan plana como antes, gracias al claroscuro de luces y sombras se consigue el volumen, junto con otros recursos (como poner el brazo en primer plano).
- Ya no obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo.
- Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares, etc.
- La composición es clara, con frecuencia triangular, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única escena o destacando claramente la principal.
A) Leonardo da Vinci
- El tránsito del Quattrocento al Cinquecento lo encarna de modo excepcional Leonardo da Vinci, que ha sido considerado siempre uno el arquetipo de hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber, fue científico, escritor y artista.
- Discípulo de Verrochio, duda entre la escultura y la pintura, pero aunque cultiva las dos, se siente especialmente pintor e ingeniero.
- Como pintor su gran creación es el “esfumato”, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento, y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. El paisaje adquiere así una misteriosa dimensión, y los personajes un encanto distante y enigmático.
- Tuvo muchísimos imitadores, su influencia fue definitiva para artistas de primer orden como Rafael o Correggio.
          
La Virgen de las Rocas
- Se muestra como gran maestro de la composición triangular y de los juegos de luces, las figuras se destacan de la penumbra de la cueva que hay tras ellas, lo que le da un aire de misterio.
- Una de sus obras paradigmáticas por la composición equilibrada, la idealización de los modelos y la perspectiva aérea, las figuras no tienen perfil, sus límites se pierden en una neblina conocida como “esfumato”.
La Gioconda o Monna Lisa
- Uno de los retratos más famosos del mundo, busto prolongado con las manos en primer plano.
- Dibujo difuminado mediante suaves contrastes de luces y sombras que además prestan volumen y un aire enigmático a las figuras, logra un “esfumado” perfecto.
- La suave y enigmática sonrisa produce esa misma impresión poco precisa, susceptible de interpretaciones diversas.
- No menos admirable es el lejano paisaje y sus efectos lumínicos, interponiendo atmósfera y perspectiva aérea entre la dama y su entorno.
+ Última Cena de Sta. María de las Gracias de Milán
- Gran fresco reducido hoy casi a ruinas por las malas condiciones de conservación y por la nueva técnica empleada por Leonardo, mezcla oleosa sobre temple.
- Composición muy cuidada, introduce un nuevo sentido de equilibrio, grupos que gesticulan y expresan diferentes sentimientos en sus rostros, sólo Cristo permanece quieto y silencioso, todo ello iluminado por la luz frontal y la del fondo de paisaje, que ayuda a lograr la profunda perspectiva.
B) Rafael Sanzio
- Su obra es enorme, tratando gran cantidad de temas: religiosos, retratos y grandes composiciones.
- No es un innovador, sino un artista que lleva a su perfección los descubrimientos de los anteriores, siendo quizá el artista que representa mejor que nadie la perfección del clasicismo.
- Destaca sobre todo por el encanto de sus “Madonnas”.
- También destaca por la calidad de sus elementos pictóricos: luces, composición, etc. Pero su gran aportación es la amplitud y profundidad que da a sus composiciones.
          
          
+ Desposorios de la Virgen
- Gran profundidad de la perspectiva, cerrada por un templo al fondo. Escalonamiento de tamaños de las figuras.
La Escuela de Atenas
- Platón y Aristóteles en medio de un espacioso encuadre arquitectónico, alegoría de la Filosofía.
- Considerada la obra maestra de Rafael y el prototipo de la pintura del Pleno Renacimiento por su armonía y perfección: perspectiva, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de los gestos, colorido, etc.
+ El Incendio del Borgo
- Demostración de su dominio del cuerpo humano y de la expresividad de las emociones.
La Madonna del Gran Duque
- Influencia de Leonardo en la gradación suave de las luces, en la ligera torsión de los cuerpos y en la expresión melancólica de la Virgen.
La Virgen del jilguero
- Ejemplo perfecto de la pintura del siglo XVI.
- Composición piramidal de la Virgen San Juan y el Niño enlazados con gestos y miradas.
- Destacan los volúmenes sobre un fondo paisajístico lejano.
+ Retrato del Cardenal del Prado
- Rafael es también un gran retratista, busca ante todo dar una visión idealizada y complaciente del retratado.
C) Miguel Ángel Buonarroti
- Fundamentalmente escultor, por lo que sus figuras conservan la importancia del dibujo, el deseo de movimiento y la apariencia más escultórica que pictórica.
- Ejercerá una influencia capital en artistas contemporáneos y posteriores, sobre todo del Manierismo.
          
+ Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina
- Nueve historias del Génesis flanqueadas por Ignudi, Profetas y Sibilas en la bóveda, en los lunetos los Reyes de Israel, en los medios puntos de los muros los antepasados de Cristo y en las esquinas dramáticos relatos bíblicos.
- Sus figuras están cargadas de dinamismo, los colores que emplea son fríos y azulados, muy expresivos, los perfiles consiguen un volumen escultórico, la técnica es suelta y de vigorosas pinceladas, las figuras son grandiosas y de expresión terrible.
- Destaca la Creación de Adán, donde el gesto creador de Dios se proyecta a través del contacto eléctrico de los dedos, presentándonos el acto de la creación con una grandeza jamás igualada.
+ El Juicio Final de la Capilla Sixtina
- En esta obra refleja la visión sombría y pesimista del momento en que fue realizada, mediados del siglo XVI: el Dios de la Justicia, totalmente desnudo (cubierto por Volterra), castiga con fuerza a sus detractores, alrededor una riada humana en variadas formas y actitudes en movimiento.
- Colosalismo y gran dinamismo, carencia de espacio para las figuras y sensación de angustia, dramatismo, en todos estos rasgos encontramos ya las raíces del Manierismo.
 La Escuela Veneciana
- La influencia de Venecia en la pintura es capital. En el siglo XV los Bellini y Carpaccio ponen las bases de la escuela, caracterizada por su culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo. En el siglo XVI los grandes maestros,GiorgioneTiziano, Veronés y Tintoretto, descubren en la pintura posibilidades que se explotarán en el Barroco.
- Además de prestar más atención al color (sobre todo colores cálidos) que al dibujo, prefieren la forma a los contornos (influencia de la neblina de la ciudad), dan gran importancia a los temas secundarios y a los paisajes poéticos llenos de luces, influyendo también en sus composiciones el hecho de que sea una república comercial, que a ella lleguen gentes de lejanos países, la alegría de vivir de su sociedad, su gusto por las fiestas, los banquetes y el lujo en general (exaltación de la riqueza en los ambientes que pintan).
A) Gentile Bellini
- Amante de ricos y abiertos escenarios de edificios góticos, su estilo es narrativo (descriptivo y costumbrista), colorista y con gran cantidad de personajes, como se aprecia en su Procesión en la Plaza de San Marcos.
B) Vittore Carpaccio
- Dentro del estilo narrativo y costumbrista veneciano, de grandes escenarios cargados de pequeñas figuras. En su serie dela Leyenda de Santa Úrsula aparecen paisajes urbanos llenos de gentes, vestidos, góndolas, etc.
C) Giovanni Bellini
- El más interesante de los pintores venecianos del Quattrocento, son características suyas fundamentales el naturalismo y el color, siendo el predecesor de Tiziano y de toda la Escuela Veneciana del Cinquecento.
     
+ Sagrada Conversación
- Gran sentido cromático y espacial. Interpretación del tema muy especial.
+ Vírgenes con Niño
- Tema que pinta en numerosas ocasiones, inconfundibles por la suavidad del color en la carne y los mantos, por lo difuso de sus límites y por sus composiciones.
D) Giorgione
- Sus obras suponen un gran adelanto comparada con la de los pintores "quattrocentistas, la mayoría compuestas por una figura o un grupo de figuras integradas en paisajes amplios.
- Sus pinturas, a diferencia de obras anteriores del mismo tipo, utilizan la luz de un modo innovador, produciendo un gran lirismo: se trata de una luz suave y tamizada, más destinada a crear una atmósfera determinada dentro de la composición que a definir los objetos dentro de la escena.
- Sus innovaciones en el tratamiento de los temas tuvieron especial importancia en dos áreas: el paisaje y el desnudo femenino.
         
La Virgen de Castelfranco
- En esta obra se muestra ya como un maestro del paisaje, motivo que se transforma en protagonista gracias a la situación elevada de la Virgen en la composición.
+ Concierto Campestre
- Mezcla de paisaje y desnudo femenino que dejará escuela en Venecia.
- Colorismo de gran suavidad típicamente veneciano.
La Tempestad
- Obra maestra en la que apreciamos sus características generales, vistas más arriba.
+ Venus dormida
- Nuevo tipo iconográfico de gran éxito posterior, es una de las primeras obras modernas dentro del arte en la que un desnudo femenino constituye el tema principal de un cuadro.
E) Tiziano
- Figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI.
- Es el retratista de la escuela, en sus retratos los elementos de encuadre (paisajes, cortinas, joyas, etc.) son tan importantes como el propio retratado.
- Así mismo es el maestro de las formas blandas y redondas, de los desnudos femeninos e infantiles, sobre todo en composiciones de temática mitológica.
- También trató los temas religiosos.
- Su paleta evolucionó en sus últimas obras hacia una factura cada vez más pastosa, más gruesa, de manchas, técnica claramente impresionista que aún tardará varios siglos en madurar.
          
          
     
+ Carlos V en Mühlberg
- Inspirado en las famosas estatuas ecuestres del Quattrocento.
Tiziano crea como retratista un tipo de descripción solemne y opulenta, realizando una síntesis entre la captación de la psicología y temperamento del personaje y la atención a los detalles de vestuario y al escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada.
La Emperatriz Isabel de Portugal
- Otro de sus más famosos retratos, junto con los de Carlos V o Felipe II.
+ Flora
- Muestra de su colorido cálido, de flexibilidad de las telas, de la suavidad de la piel.
+ La Bacanal
- Tema mitológico convertido en escena social, de fiesta (alegría de vivir veneciana).
- Efectos de luz en el cielo y en los árboles y brillos en los vidrios y vestidos.
- En un ángulo un espléndido desnudo femenino, muestra de su fabulosa técnica en este tema: Tiziano trata diversas veces el desnudo femenino, destacando Dánae recibiendo la lluvia de oro y la diosa Venus en variadas actitudes, como su Venus de Urbino, revisión de la Venus dormida de Giorgione, prototipo de belleza, armonía de color y movimiento.
La Coronación de Espinas
- Tema religioso de sus últimos tiempos, en escenario nocturno para crear un ambiente trascendente, en el que se aprecia su factura impresionista, suelta y revolucionaria.
 +Autorretrato
- Ejemplo también de la pincelada gruesa de su última época.
F) Veronés
- Es el pintor del lujo: escenas en palacios de mármol, con columnatas, balaustradas y jardines con fuentes; sus figuras con ropajes costosos y joyas.
- Inclinación hacia los detalles anecdóticos en sus grandes composiciones.
     
+ Venus y Adonis
Semivestida y con joyas, diferente a la de Tiziano, desnuda y sin adornos.
+ Las Bodas de Caná
- La escuela veneciana, con su amor por el lujo y el detalle, está resumida en este cuadro, gigantesca composición con músicos, criados, mesas atiborradas de manjares, etc., todo ello en un marco de mármoles.
G) Tintoretto
- Ya crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones de rasgos manieristas: maestro de las luces violentas, de los contrastes de luces y sombras, de los escorzos, del movimiento tenso e inestable, del paisaje romántico, de la profundidad conseguida por contrastes lumínicos o utilizando un punto de vista bajo, acusando así la lejanía del fondo.
     
+ El Lavatorio de los pies
- Peculiaridades de su estilo: luces dramáticas, concepción prebarroca de la perspectiva, gusto por la anécdota, etc.
La Escuela de San Marcos
- Pintura dramática y de movimientos violentos, claroscuros y todo recurso patético que pueda impresionar.
2.4. La Pintura Manierista
- Arbitrariedad en el uso del color y las proporciones, que se alteran a voluntad, generalmente alargando las figuras, caracterizadas además por sus expresiones angustiadas, por ser serpentiformes, abundantes en escorzos, constreñidas por marcos estrechos y por situarse en ocasiones ante fondos negros, en los que resaltan las figuras como auténticos objetos de luz, características estas últimas ya casi barrocas.
Bronzino: caracterizado por composiciones de figuras retorcidas en forzadas actitudes, potenciando el dramatismo, como en Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo.
Corregio: maestro del escorzo, de la luz, las formas suaves e ingrávidas y de los rasgos delicados en las figuras femeninas e infantiles, como en Ganímedes y en Leda y el cisne en los temas mitológicos o en Noli me tangere en los religiosos; supone el paso hacia el barroco en las pinturas al fresco de sus cúpulas.
          
Parmigianino: caracterizado por sus composiciones artificiosas, propias del Manierismo, como en su Madonna del cuello largo.




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